Como a corrida de Formula 1 tá um saco, graças a chuva, resolvi criar e postar uma news pra passar o tempo.
Espero que gostem.
Cada vez mais jogos musicais vêm se tornando sucessos de vendas (desde Bust a Groove, do PS1, até os recentes Guitar Hero e Rock Band). Entretanto, são poucos os jogos que possuem musicas próprias, que podem até serem consideradas “hits” musicais.
Na verdade, o cuidado com a seleção musical de jogos é algo que começa a tomar forma com o desenvolvimento de tecnologias mais avançadas, que permitissem o bom desenvolvimento de sons e músicas sem comprometer a qualidade do game.
Por exemplo, na década de 70, a música era armazenada de forma física em formatos analógicos como cassetes e discos de vinil. Tais componentes eram demasiados caros e frágeis para serem considerados ideais para serem usados em máquinas de arcade.
Mesmo esse recurso permitindo a inclusão de música em fliperamas durante a década de 70, a música geralmente era monofônica e sendo repetida, ou usada esparsamente em telas de abertura ou entre as fases, como em Pac Man ou Pole Position. A decisão de incluir música em um vídeo-game significava que, em algum ponto, ela deveria ser transcrita em código de computador por um programador, mesmo que este não tenha nenhuma experiência musical. Algumas trilhas-sonoras eram originais, outras eram de domínio público, como canções tradicionais. O popular console caseiro Atari 2600, por exemplo, até então era capaz de gerar apenas dois tons, ou “notas”.
Essa evolução no ramo prosseguiu na década de 80. Com os avanços em relação ao silício e às quedas nos custos de tecnologia, surgiu uma geração definitivamente nova de máquinas de arcades e consoles caseiros. Máquinas de arcade baseadas no CPU 68000 da Motorola e nos chips YM da Yamaha para geradores de sons possuíam um número consideravelmente maior de variedade de tons, ou canais de som, algumas vezes sendo 8 ou mais. Consoles caseiros também tiveram avanços em termos de sons, começando com o Colecovision em 1982, com capacidade 4 canais. No entanto, o exemplo mais notável foi o lançamento de 1985 da empresa japonesa Nintendo, o Famicom,, conhecido no ocidente como Nintendo Entertainment System, o popular NES. Tinha a capacidade de um total de 5 canais, um deles sendo capaz de gerar sons digitais simples em PCM. Também é digno de nota o computador caseiro Commodore 64, lançado em 1982, que havia capacidades primárias de filtragem de efeitos e tipos variados de formas de ondas. Seu preço relativamente baixo o tornou uma alternativa popular para outros computadores domésticos, bem como sua possibilidade de usar a TV como um monitor.
Evoluções no desenvolvimento da música para vídeo-games nesse período geralmente envolviam o uso de gerações simples de tons e/ou síntese de modulação de freqüência para simular instrumentos para melodias, e o uso de um canal de ruído para simular sons percussivos. Uso primitivo de sons digitais em PCM nesse tempo estava limitado à pequenos efeitos (como em Monopoly) ou como uma alternativa para sons percussivos (Super Mario Bros. 3). A música em consoles domésticos geralmente tinha que dividir os canais disponíveis com outros efeitos sonoros. Por exemplo, se um raio laser fosse disparado de uma nave espacial, e o laser usasse um tom de 1400 Hz, então o canal que estivesse sendo usado pela trilha-sonora teria que ter a música interrompida para que o som pudesse ser executado.
Entre o meio e o final da década de 80, houve uma grande onda de lançamentos de jogos para essas plataformas que tinham música composta por pessoas com mais experiência musical. A qualidade das composições avançou notavelmente, e uma prova da popularidade da música deste período permanece até hoje.
A seguir, uma pequena lista dos temas mais marcantes (e que me recordo/conheço) do mundo dos games:
Super Mario
Não há como negar: Falar de música de games e não ter o tema clássico do Super Mario em mente é impossível. O tema criado por Koji Kondo é um sucesso entre gamers de todo o planeta (a prova esta no Youtube, basta procurar por “Super Mario Theme” e deparar-se com centenas de versões das mais variadas formas e origens).
Sonic, the Hedgehog
O grande rival do bigududo da Nintendo na saudosa era dos 16 bits também possui um tema musical clássico. A música de Sonic foi composta por Masato Nakamura, do grupo japonês Dreams Come True.
Destaque para a banda brasileira Mega Driver, que fez uma versão Heavy Metal do tema do porco-espinho azul (e de vários outros jogos).
Curiosidade: A música foi feita num computador Atari, com o limite de 4 sons simultâneos. Nakamura fez a música simultaneamente com um álbum do DCT (tanto que 2 músicas, a de Green Hill Zone e Star Light Zone, viraram músicas do grupo), a partir de ROMs inacabados e descrições das fases por parte dos produtores. Ele quis dar um “tom cinematográfico”, com músicas calmas em fases tranqüilas e músicas mais intensas na hora de batalhar chefes.
https://www.youtube.com/watch?v=uQeQ9F3cpj0
The Legend of Zelda
Mais um tema clássico de autoria de Koji Kondo.
Kondo nasceu no Japão, na cidade de Nagóia. Ele se envolveu com música desde criança, e aos dezessete anos decidiu trilhar esse caminho profissionalmente, tendo aulas de música clássica e aprendendo a tocar diversos instrumentos. Nos anos 80, Kondo soube que uma empresa chamada Nintendo estava contratando músicos para compor trilhar para seu novo vídeo-game, o Famicon (Nintendo Entertainment System – NES). Ele foi contratado em 1983. Estranhamente, o tema do game não esteve presente em um de seus episódios de maior sucesso: The Legend of Zelda ” Ocarina of Time, para Nintendo 64.
https://www.youtube.com/watch?v=Qi99oDALtRU
Metal Gear Solid
O game de Hideo Kojima, por ter uma narrativa cinematográfica, exige uma qualidade musical igualmente cinematográfica. E para tanto, ficou a cargo de Harry Gregson-Williams, conhecido compositor de filmes, como Shrek, A Cruzada e As Crônicas de Nárnia, criar uma trilha sonora adequada para o segundo capítulo da saga Solid, que estreava no PS2 (Metal Gear Solid: Sons of Liberty), que já contava com uma trilha sonora de qualidade, graças a Tappi Iwase (conhecido como Tappy).
Antes disso, o tema The Best is Yet to Come (encerramento do episódio Metal Gear Solid, de PS1), de autoria de Rika Muranaka, já era sucesso entre os fãs da série e destaque pela qualidade (e por ser cantado em escocês, por Aoife Ní Fhearraigh).
Final Fantasy
O grande sucesso da Square Enix possui temas clássicos no universo dos games, como Liberi Fatali e One Winged Angel, ambos de autoria de Nobuo Uematsu.
O sucesso das músicas de Uematsu, demitido da Square Enis em 2004, é tanto que nos Jogos Olímpicos de Atenas, em 2004, a equipe norte-americana de nado sincronizado fez uso das músicas One Winged Angel e Liberi Fatali, levando a medalha de bronze.
https://www.youtube.com/watch?v=2dfAjfByvXY
Gran Turismo
O “Real Driving Simulator” da Sony conta com o tema Moon Over the Castle (também conhecido como Knight”s Song) nas suas apresentações. Não é raro encontrar algum fã da série afirmando que a música é a síntese do automobilismo virtual.
O tema do T-Square, a banda jazz fusion do compositor Masahiro Andoh, também é polêmica entre os fãs ocidentais da série e a Sony, no que diz respeito ao quarto episódio da série, para PS2.
Neste episódio, o tema foi substituído pela música Panama, de Van Halen (versão dos Estados Unidos) ou Reason is Treason, de Kasabian (versão européia).
https://www.youtube.com/watch?v=8NLJ1pMuT0Q
Street Fighter II
O tema clássico do mais clássico ainda Street Fighter II é de autoria, acreditem se quiser, de uma mulher.
Yoko Shimomura começou como instrutora de piano, mas sua paixão por games a fez enviar demos para várias companhias de games, entre elas, a Capcom. E deu no que deu: A criação de uma das trilhas sonoras mais clássicas no mundo dos games.
A nível de curiosidade, Shimomura também chegou a trabalhar com Koji Kondo em Super Mario RPG, do SNES, e com Nobuo Uematsu, em Final Fantasy IV, para o SNES também.
